Ballet a filha do faraó

"A Filha do Faraó", ballet criado em 1862 por Petipa para o Kirov.
Foi um de seus primeiros balés, mas, com o tempo, ele ficou esquecido. Em 2000, Pierre Lacotte decidiu
remontá-lo e o Bolshoi foi a casa que recebeu a nova coreografia.

ATO I:

Cena 1: Lorde Wilson é um arqueólogo inglês. Numa expedição ao Egito, ele e seu serviçal, John Bull, são convidados para visitarem a tenda de alguns mercadores. No entanto, o local é atingido por uma tempestade de areia e, subitamente, os dois amigos se vêem no interior de uma pirâmide. Abalado, Lorde Wilson fuma ópio e adormece.
Eis que, de repente, surge uma princesa egípcia, Aspicia. Ela transforma os exploradores ingleses também em egípcios. Lorde Wilson e John Bull são, agora, Ta-Hor e Passiphonte.

Cena 2: Na floresta, Aspicia acompanha seus servos em uma caçada. Ela é atacada por um leão e Ta-Hor a salva.
Os dois se apaixonam. Neste momento, o Faraó aparece e manda prenderem o jovem por abraçar sua filha.

Cena 3: De volta ao templo, o Faraó faz um acordo para casar Aspicia com o Rei da Núbia mesmo contra a vontade da filha. Durante a cerimônia, Ta-Hor se liberta e salva a moça do matrimônio indesejado. Os dois fogem.
O Faraó e o Rei vão atrás de capturar a noiva fugitiva e o amante dela.

ATO II:

Cena 4: Ta-Hor e Aspicia escondem-se em uma cabana de pescadores à beira do Rio Nilo. Ele sai para pescar com os outros moradores e deixa Aspicia sozinha. Ela é, então, surpreendida pelo Rei da Núbia, que a ameaça caso não retorne para o reino com ele. Sem pensar duas vezes, a jovem mergulha no rio, deixando claro que prefere morrer a casar-se com ele. Quando Ta-Hor e Passiphonte voltam à cabana, o Rei os captura.

Cena 5: Aspicia chega ao fundo do mar, lugar de confluência de vários rios que dançam para ela.
Ela também encontra o Deus do Nilo, que a permite voltar à terra para encontrar o seu amado.

ATO III:

Os pescadores encontram a princesa na beira do rio, justo quando Ta-Hor está prestes a ser condenado à morte sob a acusação de ter provocado a morte de Aspicia. A jovem culpa o Rei da Núbia por sua tentativa de suicídio e implora a seu pai para que Ta-Hor seja libertado. Ao ter o pedido negado, ela tenta se suicidar mais uma vez.
Para impedir o feito, o Faraó volta atrás e finalmente abençoa a união do casal.

Neste momento, Lorde Wilson acorda ao lado do sarcófago de Aspicia e percebe que todas as emoções vividas no Egito Antigo não passaram de um sonho.

Curiosidades

A Filha do Faraó fez grande sucesso na Rússia pelo menos até cinqüenta anos depois de sua estréia em 1862.
Foi um dos primeiros balés de repertório de Petipa. No entanto, apesar disso, ele foi retirado dos repertórios por determinação do governo soviético, que, aparentemente, não gostava de um subtema do balé: o poder autocrático dos faraós.

A encenação conta com algumas participações pitorescas, como a de um macaco e de uma cobra gigante.
Quando George Balanchine ainda estudava na escola do Teatro Mariinsky, ele foi o responsável pela interpretação do macaquinho.

Em 2003, A Filha do Faraó foi finalmente levado aos palcos do Ballet Bolshoi 141 anos após sua estréia no Ballet Kirov. A suntuosidade é a principal marca dessa nova produção. Há variadas trocas de cenários, muitíssimos figurantes e um guarda-roupa invejável para a personagem Aspicia, que troca de figurino umas seis, sete vezes durante todo o espetáculo. O enredo em alguns momentos lembra de leve La Bayadère, mas está longe de ter a densidade dramática deste. A música influi muito para isso. O compositor Cesar Pugni (também autor das melodias de La Esmeralda e Diana e Acteon) não tem a genialidade de Minkus. Este carrega em sua partitura toda a emoção das cenas.
O mesmo não acontece com a de Pugni. Com isso, as cenas parecem puro pastiche.

No entanto, talvez A Filha do Faraó deva ser visto com outros olhos. Ao invés da dramaticidade, priorizou-se as coreografias, ricas e bem montadas para cada cena do enredo. Lacotte caprichou nesse aspecto.

fonte:http://www.meryrosa.com.br/studio/index.php?option=com_content&view=article&id=52&Itemid=67&showall=1

Apresentação Milagres

apresentação de ballet a coroação da rainha ester

Ballet a flauta magica

Apresentado pela primeira vez no pequeno Teatro da Escola Imperial de Bailados, em São Petesburgo, em 1893, “A Flauta Mágica” conta a história de amor do camponês Luc e de Lise, filha de um fazendeiro, em uma aldeia francesa durante o reinado de Luis XV. Trata-se de uma versão diferente da célebre ópera de Mozart. A primeira de todas as versões (anterior a de Ivanov) foi coreografada pelo metteur-en-scène Fortunato Bernardelli, estreando com o nome de “A Flauta Mágica” ou “Os dançarinos involuntários”.

Sinopse
A ação ocorre em uma aldeia francesa durante o reinado de Luis XV. Agricultores comemoram a safra da maçã. Luc, um jovem camponês, e Lise, a filha do fazendeiro, se amam. Satisfeitos com o serviço terminado pelos lavradores, todos dançam!
O Marquês chega à aldeia junto a seu lacaio e anuncia que deseja escolher uma noiva entre as moças do local. Encanta-se por Lise, a filha do casal de fazendeiros.
Ávido por demonstrar sua graça, oferece-se a ensinar a Lise como se dança um minueto. Luc e seus amigos também dançam para provocar o Marquês. Para distraí-lo das provocações, a mãe de Lise convida o fidalgo a beber e comer alguma coisa em sua casa.
Aparece um velho eremita e bate à porta da casa de Lise pedindo comida. A senhora o expulsa sem a menor piedade. Luc vem em ajuda ao estranho ancião e oferece ao velho as poucas moedas que tinha em seu bolso. Ao contar sobre seu amor impossível por Lise, recebe uma flauta de presente onde estão grafadas as palavras: “Quando me tocares, todos serão obrigados a dançar e isso te trará boa sorte”.
Ao ser tocada por Luc, a melodia da flauta atrai Lise e os dois dançam apaixonados. A mãe da moça, nervosa, conta ao seu marido e ao Marquês a cena que acabou de presenciar. Todos se armam de vassouras e bastões e partem para cima de Luc que toca novamente sua flauta e todos são obrigados a dançar.
Acusado de feitiçaria pelo Marquês, Luc é preso. Obrigando todos a dançarem através da flauta mágica, quando se vê em apuros, Luc é condenado à forca pelo Juiz.
Notas mágicas trazem de volta o velho eremita que, diante dos olhares curiosos, se revela Oberon (Deus sublime que inspira fortes amores). Oberon salva Luc e abençoa o casamento do casal apaixonado.

http://www.movimento.com/2011/12/bale-a-flauta-magica-em-bh/

Ballet Spartacus

Spartacus , ou Spartak , é um ballet de Aram Khachaturian (1903-1978). O trabalho segue as aventuras de Spartacus , o líder do escravo levante contra o Romanos conhecida como a Terceira Guerra Servil , embora o enredo do balé toma liberdades consideráveis ​​com o registro histórico. Khachaturian compôs o balé em 1954, e para isso foi agraciada com o Prêmio Lenin naquele ano. Ela foi encenada pela primeira vez, com coreografia de Leonid Yakobson, em Leningrado, 1956, mas apenas com o sucesso qualificada desde Yakobson abandonado convencional pointe em sua coreografia. O balé recebeu sua primeira encenação no Teatro Bolshoi , de Moscou, em 1958, coreografada por Igor Moiseev , no entanto, foi a produção de 1968, coreografada por Yury Grigorovich , que alcançou a maior aclamação para o ballet.  Ele continua sendo um dos melhores Khachaturian de obras conhecidas e é destaque nos repertórios do Teatro Bolshoi e outras companhias de balé na Rússia e da antiga União Soviética .

 Sinopse

Personagens principais:
Crasso , cônsul romano
Spartacus rei, cativo de Trácia
Frígia , esposa de Spartacus
Aegina , concubina de Crasso

 Ato I

Os retornos cônsul romano Crasso para Roma a partir de suas últimas conquistas em uma procissão triunfal. Entre seus cativos são o rei trácio Spartacus e sua esposa Frígia. Spartacus lamenta seu cativeiro e se despede amarga a Frígia, que é levado para se juntar Crasso "harém de concubinas. Para entreter Crasso e sua comitiva, Spartacus é enviado para o ringue de gladiadores e é forçado a matar um amigo próximo. Horrorizado com a sua ação, Spartacus incita os seus companheiros cativos à rebelião.

 Ato II

Os cativos fugidos comemorar sua liberdade. Enquanto isso, Crasso entretém os patrícios romanos com um entretenimento requintado, incluindo as lutas entre gladiadores vendados. O Aegina sedutor incita uma orgia sexual. Spartacus e seus homens perturbar a orgia e resgatar as mulheres escravas, incluindo Frígia. O Aegina insultado insiste que Crasso perseguir o exército de escravos imediatamente. Os amantes comemorar sua fuga para o familiar "Adagio de Spartacus e Frígia."

 Ato III

Aegina descobre campo de Spartacus e observa os amantes saem de sua barraca na manhã seguinte. Aegina manda dizer a Crasso, que envia seu exército em perseguição. Intestina lutas sair entre as forças de Espártaco. Finalmente, as forças de Crasso descobrir Spartacus e empalar ele sobre suas lanças. Seguidores mais próximos de Espártaco recuperar seu corpo e levá-lo enquanto Frígia lamenta sua perda.

 Adaptação de orquestra

Khachaturian extraído e dispostos a música do balé em 1955 para três suítes orquestrais:
Spartacus Suite No.1
Introdução - Dança das Ninfas
Adagio de Aegina e Harmodius
Variação de Aegina e Bacchanalia
Cena e Dança com Crotala
Dança do Gaditanae - Vitória de Spartacus
Spartacus Suíte No.2
Adagio de Spartacus e Frígia
Entrada dos Comerciantes - Dança de uma cortesã romana -
Geral Dança
Entrada de Spartacus - Discussão -
Traição de Harmodius
Dança dos Piratas
Spartacus Suíte No.3
Dança de um escravo grego
Dança de uma menina egípcia
Incidente noite
Dança da Frígia - Cena Parting
No Circo

Ballet sheherazade

Sheherazade ( Scheherazade ; russo : Шехерезада , Shekherezada na transliteração ), . Op. 35, é uma suíte sinfônica composta por Nikolai Rimsky-Korsakov , em 1888. Baseado em Mil e Uma Noites , também conhecido como The Arabian Nights , este trabalho orquestral combina duas características comuns à música russa e de Rimsky-Korsakov, em especial: deslumbrante, colorido orquestração e um interesse em Oriente , que figurou muito na história da Rússia Imperial , bem como orientalismo em geral. É considerada a obra mais popular de Rimsky-Korsakov.A música foi usada em um balé por Michel Fokine . Este uso da música foi denunciado pelo espólio de Rimsky-Korsakov, liderada pela viúva do compositor, Nadezhda Rimskaya-Korsakova .

 Antecedentes

Durante o inverno de 1887, enquanto ele trabalhava para completar Alexander Borodin da ópera inacabada Príncipe Igor , de Rimsky-Korsakov decidiu compor uma peça orquestral com base em imagens de As Mil e Uma Noites , bem como episódios separados e desconexos. Depois de formular musical esboços de sua proposta de trabalho, ele se mudou com sua família para o Glinki-Mavriny dacha , em Nyezhgovitsy ao longo do Lago Cheryemenyetskoye. Durante o verão terminou Sheherazade eo Russian Easter Festival Overture . Notas em seu show partitura manuscrita orquestral que a primeira foi concluída entre 04 de junho e 7 de agosto de 1888.Sheherazade consistiu em uma suíte sinfônica de quatro relacionados com movimentos que formam um tema unificado. Ele foi escrito para produzir uma sensação de narrativas de fantasia do Oriente.
Inicialmente, Rimsky-Korsakov intenção de nomear os respectivos movimentos em Sheherazade "Prelúdio, Balada, Adagio e Finale"No entanto, depois de pesar as opiniões dos Anatoly Lyadov e outros, bem como a sua própria aversão a um programa demasiado definitiva , ele se estabeleceu em rubricas temáticas, com base nos contos de As Mil e Uma Noites .
O compositor deliberadamente os títulos vaga, para que eles não estão associados com contos específicos ou viagens de Simbad. No entanto, na epígrafe para o final, ele faz referência à aventura do príncipe Ajib. Em uma edição posterior, ele acabou com títulos completamente, desejando vez que o ouvinte deve ouvir o seu trabalho apenas como um oriental-temático música sinfônica que evoca uma sensação de aventura de conto de fadas.Ele afirmou que "Tudo o que eu desejava era que o ouvinte, se ele gostou da minha parte como da música sinfônica, deve levar longe a impressão de que é sem dúvida uma narrativa Oriental de alguns numerosas e variadas maravilhas de conto de fadas e não apenas quatro peças jogado um após o outro e composto com base em temas comuns a todos os quatro movimentos ". Rimsky-Korsakov passou a dizer que ele manteve o nome Scheherazade porque trouxe a mente de todos as maravilhas de conto de fadas de Arabian Nights e do Oriente em geral.

 A música



A Sultana Azul por Léon Bakst
Rimsky escreveu uma breve introdução que ele pretendia para uso com a pontuação, bem como o programa para a estréia:
O Schariar Sultan, convencido de que todas as mulheres são falsas e sem fé, prometeu levar à morte cada uma de suas esposas após a primeira noite nupcial. Mas o Sheherazade Sultana salvou sua vida por entreter seu senhor com contos fascinantes, disse seriatim , por mil e uma noites. O sultão, consumido com curiosidade, adiada de dia para dia a execução de sua esposa, e, finalmente, repudiou o seu voto sangrenta completamente.
O motivo de graves sombrio que abre o primeiro movimento é suposto representar o sultão dominador(ver tema ilustrado abaixo). Este tema enfatiza quatro notas de um descendente escala de tons inteiros Mas em breve, depois de alguns acordes nos instrumentos de sopro que lembra a abertura de Mendelssohn Noite de Verão Sonho de abertura, que ouvimos o leitmotiv que representa o personagem do contador de histórias a si mesma, Scheherazade , sua esposa, que finalmente consegue apaziguar a ele com suas histórias. Este tema é um concurso, sensualmente sinuosa melodia de violino sozinho , acompanhada por harpa . Ambos estes dois temas são apresentados abaixo.

De acordo com Rimsky-Korsakov, o fio condutor consistiu nas breves introduções aos movimentos primeiro, segundo e quarto e do intermezzo em movimento três, escritas para violino solo e delineando-se como Sherazade contando seus contos maravilhosos para o sultão popa. A conclusão final do movimento quatro serve o mesmo propósito artístico. Rimsky-Korsakov afirmou: "A frase uníssono, como se retratando cônjuge popa de Sherazade, no início do conjunto aparece como um dado, na narrativa do Kalendar, onde não pode, no entanto, qualquer menção de Sultan Shakhriar. Desta forma, o desenvolvimento de bastante livremente os dados musicais tomadas como base de composição, eu tinha que ver a criação de um conjunto orquestral em quatro movimentos, unida pela comunidade de seus temas e motivos, apresentando ainda, por assim dizer, uma caleidoscópio de imagens de conto de fadas e desenhos de caráter Oriental ... "Rimsky-Korsakov tinha uma tendência a justapor chaves de um terceiro grande parte, o que pode ser visto até mesmo na forte relação entre E e C importante no primeiro movimento. Este, juntamente com o seu estilo de orquestração de assinatura de melodias simplistas, ritmos reunidos, e talento para a escrita solista permitido para uma peça como Sherazade para ser escrita.
Os movimentos foram unificados pelas introduções curtas nos movimentos primeiro, segundo e quarto, e um intermezzo em movimento três. O último foi um solo de violino representando Sheherazade, e um tema semelhante artística é representada na conclusão do movimento quatro. Escritores têm sugerido que a carreira mais cedo Rimsky como um oficial naval pode ter sido responsável por começar e terminar a suíte com temas de do mar.  O tranquilo coda no final do movimento final é representante de Sheherazade, finalmente, conquistar o coração do sultão, permitindo-lhe com um ganho última uma noite de sono tranquila.
O trabalho é marcado por duas flautas e um flautim (com duplicação da flauta piccolo 2 em 2 para alguns bares), dois oboés (com 2 de duplicação da cor anglais ), dois clarinetes , dois fagotes , quatro trompas em F, dois trompetes em A e B-flat, três trombones , tuba , tímpanos , bumbo , tarola , pratos , triângulo , pandeiro , tam-tam , harpa e cordas .A música estreou em São Petersburgo em 28 de outubro, 1888 conduzido por Rimsky-Korsakov .
As razões para sua popularidade são bastante claras, é um resultado repleto de encantadoras cores orquestrais, melodias fresco e picante, com um leve sabor oriental, uma vitalidade rítmica praticamente ausente de muitas grandes obras orquestrais do final do século 19, e uma franqueza de expressão sem interferência de quase-sinfónicos complexidades da textura e estrutura.


I. O Mar e Sinbad Ship 's (Largo e maestoso - Lento - Allegro non troppo - Tranquillo)
Este movimento é composta de várias melodias e contém um modo geral ABC A1 B forma C1. Apesar de cada seção é altamente distintivo, aspectos de figuras melódicas realizar e uni-los em um movimento. Embora semelhante em forma a sinfonia clássica, o movimento é mais semelhante à variedade de motivos usados ​​em um dos anterior Rimsky-Korsakov obras Antar . Antar, no entanto, usou genuínas melodias árabes, em oposição às idéias próprias Rimsky-Korsakov, de um sabor oriental.
II. O Príncipe Kalendar (Lento - Andantino - Allegro molto - Scherzando Vivace - Moderato assai - Allegro molto animato ed)
Este movimento segue um tipo de tema ternário e variação e é descrito como uma narrativa fantástica. As variações apenas mudar em virtude do acompanhamento, destacando a Rimskyness no sentido de simples linhas musicais permitindo uma maior valorização da clareza orquestral e brilho. Dentro da linha geral melódico, uma seção rápida destaca mudanças dentro de tanto tonalidade e estrutura.do motivo fanfarra, interpretado por trombone e trompete em surdina.
III. O jovem príncipe ea princesa jovem (Andantino quasi Allegretto - Pochissimo più mosso - Come Prima - Pochissimo più animato)
Este movimento também é ternário, e é considerado o mais simples movimento em forma e conteúdo melódico. A secção interior é dito ser baseado no tema de Tamara, enquanto as partes mais externas têm música como conteúdo melódico. Os temas exteriores estão relacionados com o interior, tempo e motivo comum, e todo o movimento terminou por um retorno rápido para coda o motivo interior, equilibrando-o bem.
IV. Festival em Bagdá. O Mar. As quebras de navio contra um penhasco encimado por um Cavaleiro de Bronze. (Allegro molto - Lento - Vivo - Allegro non troppo e maestoso - Tempo vir I)
Esse movimento laços em aspectos de todos os movimentos provenientes, bem como acrescentar algumas idéias novas, incluindo, mas não limitado a: uma introdução de ambos o começo do movimento e da seção Vivace baseado no tema Sultan Shakhriar, uma repetição do tema principal violino Sheherazade e uma reiteração do motivo fanfarra para retratar o naufrágio do navio. A coerência é mantida pela repetição ordenada de melodias, e continua a impressão de uma suíte sinfônica, em vez de movimentos separados. A relação final conflitante do tema Shakhriar subdominante menor à cadência tônica principal do tema Scheherazade resolve em uma conclusão fantástica, lírica e, finalmente, em paz.

 Adaptações

Uma adaptação do balé Sheherazade estreou em 4 de junho de 1910, na Ópera Garnier em Paris pelos Ballets Russes . A coreografia do balé foi por Michel Fokine eo libreto foi de Fokine e Bakst Léon , que também desenhou cenários e figurinos. A viúva de Rimsky-Korsakov protestou o que viu como o desarranjo da música de seu marido neste drama coreográfico.
Sergei Prokofiev escreveu uma "Fantasia sobre Scheherazade" para piano, que ele gravou no piano roll.
Passagens da suíte sinfônica Scheherazade também foram adaptados para a cena de balé que fecha o filme Canção de Scheherazade  em que a atriz principal, Yvonne De Carlo , também foi o principal bailarino. O enredo deste filme é uma história muito ficcional, baseada em início de carreira do compositor na Marinha. Ele foi interpretado por Jean-Pierre Aumont .
Também foi organizado para clarinete em B ♭ piano e por Oriol López Calle, mantendo a tecla E grande e dando o clarinete o papel violino solo e um diálogo constante com a orquestra, que é representado pelo piano.

Ballet chamas de paris

Chamas de Paris (original russo título Plamya Parizha ) é um clássico de balé com música de musicólogo e compositor Boris Asafiev baseado em canções da Revolução Francesa, e originalmente coreografado por Vasily Vainonen , com design de Vladimir Dmitriev . A quatro actos balé é baseado em um livro de Felix Gras . Autores do libreto foram Nicolai Volkov e Vladimir Dmitriev .
Foi estreada no Teatro Kirov de Leningrado em 7 de Novembro, 1932 , com Natalia Dudinskaya como Mireille de Poitiers, Vakhtang Chabukiani como Jerome, Olga Jordânia como Jeanne, Nina Anisimova como Teresa, e Sergeyev Konstantin como Mistral. Outras produções incluiu a uma estreou em 06 de julho de 1933, no Teatro Bolshoi , em Moscou , com Aleksei Yermolaev (Jerome), Abramova Anastasia (Jeanne), Kapustina Nadezhda (Teresa) e Marina Semenova (Poitiers Mireille DE).
A produção original e coreografia foi reconstruído em 2008 por Alexei Ratmansky para o Ballet Bolshoi e está disponível em DVD com Ivan Vasiliev e Natalia Osipov(Classiques Bel Air ).

História

As Chamas de Paris é um chamado ballet "revolucionário", e tem como tema a Revolução Francesa , incluindo em seu cenário do assalto das Tulherias pelos marselheses e sua marcha vitoriosa em Paris. A trama é tirada do livro de Felix Gras Marceliers Les .
Embora a sua definição é do século XVIII, a França , é uma perfeita ilustração de Leningrado ballet em 1920 e 1930, período em que houve um esforço determinado a encontrar assuntos na história do mundo que refletia a situação mais imediata na Rússia , e para mostrar que a Revolução de Outubro foi parte de movimentos mais universais e eventos históricos.

 Sinopse

O balé abre em uma floresta perto de Marselha , onde o camponês e sua Gaspard crianças-Jeanne e Pierre-estão se reunindo bushwood.
quando uma contagem e seu partido de caça real chegar, os camponeses se dispersam, mas Jeanne atrai a atenção do Conde, que tenta para abraçá-la. Quando intervém o pai, ele é espancada por servo do Conde e levado embora.
Mais tarde, na Praça do Marselha, Jeanne diz para as pessoas o que aconteceu com seu pai, e indignação das pessoas sobre as injustiças da aristocracia cresce. Eles invadir a prisão e libertar os prisioneiros do Marquês de Beauregard.
Em seguida, o tribunal de Versalhes em toda a sua decadência é retratado.
Depois de uma apresentação no teatro da corte, que é seguida por um banquete exuberante, os oficiais do tribunal escrever uma petição formal ao rei, solicitando a permissão para lidar com os revolucionários indisciplinados .
Antoine O ator Mistral, descobrindo este documento secreto, é morto pelo marquês, mas antes de morrer, ele consegue passar o documento para Mireille de Poitiers, que escapa como o som do Marsilleise é ouvido das janelas.
A cena então muda para uma praça em Paris , onde uma rebelião eo ataque do palácio está preparado.
Mireille corre com o documento revelando a conspiração contra a revolução, e sua bravura é aplaudido. No auge da cena, os oficiais do Marquês chegar na praça,. Jeanne, reconhecendo o homem que insultou na floresta, corre para cima e lhe dá um tapa no rosto
Em seguida, a multidão corre sobre os aristocratas. Ao som de canções revolucionárias, a tempestade pessoas do palácio e pegou a escada do hall de entrada. Jeanne ataca o Marquês, que é, então, morto por seu irmão, e Therese Basco sacrifica sua vida para a Revolução .
Finalmente, de volta na praça em Paris , as pessoas celebram sua vitória sobre os defensores do antigo regime.

Análise

Para compor a coreografia para este rico quatro actos bailado, Vasily Vainonen inspirou-se em várias fontes diferentes, como fez o compositor Boris Asafiev : As Chamas de Paris combina dança clássica e caráter, música tribunal e canções populares, actuações a solo e em grupo cenas enormes.
A coreografia é mais clássico, mas para a parte de Teresa, por exemplo, Vainonen escolheu Leningrado dançarina personagem, Nina Anisimova :. ela dançava danças apenas de caráter, exibindo fortes, movimentos populares expressivos que simbolizam a energia eo espírito da multidão
Então, em Por outro lado, as danças de Philippe, um dos marselheses, e sua noiva são puramente clássica: os dois personagens dançar um pas de deux que é feito na forma verdadeira de São Petersburgo, depois de Petipa .
Na cena, no palácio do Louis XVI, temos uma grande quantidade de mímica tradicional, e Maria Antonieta dança um minueto que é uma bela peça de coreografia em si.
Como uma técnica ainda mais para colocar a dança clássica no palco, Vainonen inventou os papéis do casal de atores, Mireille de Poitiers e Antoine Mistral, que foram convidados pelo Rei para se apresentar no banquete. Estes foram originalmente realizados por Natalia Dudinskaya e Sergeyev Konstantin , e são projetados para pendentes bailarinos que pode mostrar o seu virtuosismo no clássico pas de deux . Esses atores são, naturalmente, do lado da multidão revolucionária, de modo que após o assalto ao palácio eles estão unidos pelo grupo de danças que incluem variações, codas, ea participação de um enorme corpo de baile composto de 24 e depois 32 dançarinos.

http://en.wikipedia.org/wiki/Flames_of_Paris

Ballet o talismã

O Talismã (AKA Le Talisman ou Il Talismano ) - Fantástico balé em 4 Atos-7 cenas, com coreografia de Marius Petipa , e música de Riccardo Drigo . Libreto de Konstantin Augustovich Tarnovsky e Petipa Marius.
06 de fevereiro  [ OS 25 de janeiro]  1889 no Imperial Theatre de Mariinsky em São Petersburgo, na Rússia . bailarinos principais - Elena Cornalba (como Niriti, filha da Rainha dos Deuses), Enrico Cecchetti (como Vayou, o Deus do vento), e Pavel Gerdt (como Noureddin). Este ballet deu origem a The Talisman Pas de Deux , que hoje é dançado por muitas companhias de balé.

notas

Este ballet ocorreu na Índia antiga, e foi um sucesso medíocre em cima de sua estreia. A atração principal das balletomanes e críticos foi a pontuação Drigo, que causou sensação, e Petipa mesmo solicitado a exclamar: "Eu deveria ter tido a orquestra tocar no palco e os dançarinos no poço!" . O artista Alexandre Benois disse em suas memórias (intitulado Memórias ) de seu prazer extremo com pontuação Drigo, que ele disse que inspirou uma "paixão curto" nele como um jovem estudante no Petersburgo State University - "Foi a música simples e encantador Drigo da que atraiu tanto Valetchka ( Walter Nouvelle - membro do Mir iskusstva ) . ea mim para Petipa "The Talisman" Na verdade, tinha sido tão feliz com ele na estréia que a nossa aprovação barulhenta atraiu a atenção, e parecia choque, o em seguida, bastante popular St. Petersburg Governador Geral Grosser ... ele se virou (de seu assento permanente nas bancas na primeira fila), afetando uma expressão grave, e balançou o dedo para nós. Meu entusiasmo foi tão grande, no entanto, que eu poderia não parar de aplaudir e até mesmo sentiu-se compelido a exclamar "Mais puisque, Excelência, c'est un obra-prima!" -. sobre a qual Sua Excelência se dignou a conceder-me um sorriso paternal "
Avivamento Petipa de 1895 foi um sucesso retumbante, e até mesmo provou ser mais popular entre o público de São Petersburgo que o dele e Lev Ivanov renascimento do lendário de Swan Lake , que foi apresentado pela primeira vez no início do mesmo ano.
Nikolai Legat o renascimento de 1909, para o qual Drigo completamente remodelado sua pontuação original, foi muito bem sucedida. A primeira apresentação foi dado em homenagem ao aniversário de casamento treze do czar Nicolau II e Alexandra Feodorovna imperatriz , que participou da première com toda a família imperial. O público também incluiu muitos membros da nobreza de São Petersburgo. Avivamento Legat permaneceu no repertório do Ballet Imperial até pouco antes da revolução de outubro de 1917.
Em 1997, o coreógrafo Paulo Chalmers "encenou um revival de O Talismã para o Ballet Arena de Verona , Itália . Ele foi montado de modo a coincidir com uma conferência realizada em honra do 150 º aniversário do nascimento de Riccardo Drigo, e também foi realizada em sua cidade natal de Pádua .

 O Talismã Pas de Deux

Em 1955, o Balletmaster Pyotr Gusev do Ballet Kirov / Mariinsky (o antigo Imperial de Ballet) compilou várias peças de música de Petipa O Talismã e criou o que hoje é conhecido como O Talismã Pas de Deux , que nos últimos tempos tem sido incluído no repertório de muitas companhias de balé do mundo.
O Pas de Deux Talsiman inclui música de outro compositor, bem como - a variação do sexo masculino foi tomada por Gusev de Cesare Pugni score 's para Petipa A Filha do Faraó , que ainda está incluído no Pas de Deux hoje.

Prólogo - Nas nuvens
Os deuses e os espíritos descem para atender a Amravati deusa, a rainha dos céus ( Valse des esprits ). Ela está em desespero, e se pergunta por que. Ela responde "É hoje, de acordo com os desejos do meu marido imortal, que a minha filha, a deusa Niriti, deve descer à terra, e talvez nunca pode voltar."
Música anuncia a entrada de Niriti ( Entrée de Niriti ). Ela corre para abraçar sua mãe, e depois é informado de que o tempo chegou para ela visitar a terra. "Mas por que eu visitar a terra?" Niriti pede. "Para testar o seu coração contra as tentações do amor terreno", responde Amravati, ". e se você falhar, você perderá o seu direito à imortalidade" ? "Devo ir sozinho" pede Niriti. "Não", responde a deusa; "Eu escolhi um companheiro bem para você".
Vayou, o deus do vento, voa em cima, trazendo uma tempestade na sua esteira ( Le Vent de Vayou ). Inclina-se para a rainha e implora perdão por seu atraso; "Um grupo de mortais se atreveu a tentar aprender os segredos dos pólos", diz ele, "para o qual fui forçado a afundar seus navios."
Rainha Amravati mãos Vayou sua maça de ouro, o que faz dele governante dos espíritos e de todos os elementos. Ela então leva uma estrela de sua coroa e dá para Niriti. "Este talismã deve protegê-lo contra todos os perigos que podem acontecer a você." A Deusa acrescenta, "No entanto, se ela perder, você nunca deve voltar para o céu novamente. " "Mas", indaga Niriti, "certamente a maça deve forçar o talismã para ser devolvido para mim." "Não", responde Amravati, "um talismã perdido por uma donzela do ar deve ser livremente retornou a ela por qualquer mortal pode vir a possuí-la. "
Amravati ordena sua despedida filha. Niriti e Vayou descer à terra.
Ato I - A cabana do velho tecelão Kadoor
Nal está trabalhando ativamente em seu tear para que ele possa atender Nirilya, sua noiva. Ele então é distraído por um feixe de dom, que deslumbra os olhos para que ele decide cobrir a janela com o seu manto. Como ele vai em direção a ela seu amado Nirilya aparece. Ele implora para entrar, mas ela se recusa. Nal, irritado, retorna ao seu trabalho. Nirilya arrasta atrás de si e cobre os olhos com as mãos.
Digite Kadoor, acompanhado por seus amigos e parentes. Os amantes têm vergonha. O tecelão diz que eles não têm nada do que se envergonhar, pois eles estão para se casar no dia seguinte. Ele lembra-los de seus amigos que vieram para desejar-lhes felicidade. Os jovens começam a dançar, enquanto o velho tecelão e alguns de seus convidados decorar a cabana com flores e guirlandas ( Danse des amis de Nirilya et Nal ).
Para a conclusão de suas danças um belo jovem aparece - Noureddin, o Maharajah jovem de Lahore. Ele se perdeu no caminho, enquanto a caça e pede abrigo para a noite. Kadoor recebe o visitante e refrescos lugares antes dele. Noureddin pede aos jovens para continuar a sua dança, assim Nirilya e Nal executar uma dança alegre para o deleite do Marajá jovem ( Danse orientale ), que dá Nirilya um colar e uma bolsa Nal de ouro. Então, sentindo-se cansado, Noureddin pede para ser mostrado para o seu quarto. Os convidados e deixar a escuridão cai. Há trovão distante e relâmpagos.
Digite Niriti e Vayou ( sensações Premières ). Niriti pergunta onde eles estão. Vayou pede a ela para permanecer enquanto ele vai para explorar. Sentindo-se cansado de suas viagens, Niriti deita e adormece.
Noureddin sai de seu quarto, esfregando os olhos, depois de ter sido perturbado por um ruído estranho. Ele avista o Niriti dormindo, e está impressionado com sua beleza. Niriti desperta. Assustados com o estranho, ela tenta fugir, mas Noureddin segura sua empresa e exige um beijo. Lutando violentamente, ela chama a Vayou ajuda. De repente Vayou aparece e apreende Niriti enquanto brandindo a maça de ouro. Há uma violenta rajada de vento e Niriti e Vayou desaparecer. Durante a fuga, o talismã cai de cabeça de Niriti. Noureddin procura em vão por Niriti e descobre o talismã. Convencidos de que ele encontrou seu verdadeiro amor, ele jura para encontrar a menina bonita.
Digite Rei Akdar e sua filha, a princesa Damayanti, acompanhado por uma comitiva magnífica. O Rei expressa sua alegria ao ver Noureddin, como sua filha, a quem Noureddin é noiva, havia sido incomodado por seu desaparecimento. A empresa agora se afasta, e os pedidos rei que Noureddin os seguem.
Niriti e Vayou reaparecer, seguido por espíritos da terra. Eles procuram ansiosamente o talismã, mas em vão.
Ato II - Os jardins do palácio magnífico Rei do Akdar em Dehli
Servos estão concluindo os preparativos para a festa que será o prelúdio de casamento da princesa e Damayanti Noureddin. Digite Rei Akdar e sua filha, que sentar-se no trono. Eles são atendidos por rajás, bayadères, eunucos e atendentes da princesa. Noureddin entra, seguido por seu guarda-costas Djemil e vários de seus guardas.
O festival começa com várias diversões ( Danse nautch , Danse de l'Hindoustan ), com Noureddin e Damayanti Princesa executam uma dança juntos em que o Maharajah jovem é assombrada por visões de Niriti ( Grande pas d'acção ). No final, o eunuco chefe anuncia que a festa está pronta no grande salão do palácio. Noureddin permanece atrás. Ele não pode esquecer a bela garota que ele encontrou na cabana do Kadoor.
Filtros luar no jardim. Como Noureddin começa a sair para assistir a uma festa molas roseira a partir do solo e barras seu caminho. Outros arbustos aparecer e de cada um surge uma rosa em forma humana. Do centro roseira vem Niriti sob o disfarce da Deusa das Flores, e de cada lado aparecem os espíritos da terra. Com olhares enfeitiçados que pedir-lhe para desistir do talismã, mas quando se recusa Noureddin eles desaparecem. Niriti e seu séquito de flores danças para seduzir Noureddin em dar-se o talismã ( Grande ballabile - La Rose de Bengala ), mas sem sucesso. Niriti e sua comitiva desaparecer.
Fanfarras anunciando Rei Akdar são ouvidas. "Vem!" , clama o Rei, "os sacerdotes estão esperando para realizar a cerimônia de casamento." . Noureddin, incapaz de esquecer Niriti, confessa que ama outro e deve recusar a mão do Damayanti princesa. A princesa, então desmaia nos braços de seus assistentes eo Rei enfurecido saca sua espada; seus guardas segue o exemplo. Naquele momento guardas Noureddin de colocar-se em uma postura de defesa para protegê-lo. Uma luta terrível é iminente quando as chamas subir da terra e separar os antagonistas. Vayou inventou isso para salvar Noureddin para que ele possa retornar Niriti seu talismã.
Niriti aparece na fonte e, sem ser visto, wafts-lhe um beijo apaixonado. Seu coração foi derretido por seu amor indomável.
Ato III, quadro 1 - Um bazar nas margens do rio Ganges
É dia de mercado eo bazar está repleto de tipos de numerosas raças da Índia. Noureddin entra com suas tropas em seu caminho de volta para Lahore. Ele chama uma parada e se deita para descansar. O talismã pode ser visto resplandecente de seu peito. A um sinal de uma das danças de escravos traficantes começa ( Danse des montagnards de l'Himalaya , Pas Katchack ).
Digite Vayou e Niriti, que está disfarçado como um Brahim e seu escravo. Vayou apresenta Niriti para a multidão envolta em um véu longo ( Danse sous le voile ). Reconhecendo Noureddin, eles decidem roubar o talismã, mas reconhece Noureddin Niriti, que tenta se esconder entre a multidão. Noureddin a persegue, mas é interrompido por Vayou, que repreende-lo por seu escravo irritante. "Você vai me vender sua escrava?" pede Noureddin. "Sim", responde o brâmane, "em troca de o talismã em seu peito." Noureddin recusa . Vayou eo departamento escravo suposto.
Noureddin agora está desconfiado de que o talismã deve ser preferido para a riqueza que ele poderia ter oferecido e sente que há algum mistério ligado a ele. Ele se pergunta se a língua do proprietário de escravos poderiam ser soltos com vinho e, chamando seu Djemil guarda-costas, sussurra suas ordens.
Niriti e Vayou voltar. Noureddin vai até eles e pergunta o brâmane de saborear uma nova bebida Europeu: talvez ele possa ajudá-los a chegar a um entendimento. Bebidas Vayou e, encontrando a bebida muito para o seu gosto, sempre pede para o seu copo para ser recarregado. Assim, torna-se cada vez mais Vayou comunicativa e confidencia que seu escravo é realmente a filha do Amravati Deusa, e enquanto Noureddin possui o talismã, Niriti deve permanecer na terra. Para enfatizar sua palavra sua Vayou atinge a mesa com sua maça de ouro, que se encaixa em dois. Ele continua a beber, até que ele cai no chão ( Scène dansante - L'ivresse de Vayou ).
Ordens Noureddin o Djemil guarda-costas para aproveitar Niriti, que desesperadamente pede Vayou para ajudá-la. Ele acorda, mas, estupefato com vinho, é impotente. Niriti é levado.
Ato III, quadro II - Algumas antigas ruínas à noite
Niriti é trazido pelo Djemil guarda-costas e colocado antes Noureddin, que ordena a seus homens para manter estrita vigilância. Niriti então implora Noureddin para restaurar seu talismã. Ele responde que não pode, pois, se ele faz ela deve voltar para o céu, e ele a ama demais para permitir que ele ( La danse à l'amour ). Ela admite que ele fala a verdade, mas implora para ajudá-la a voltar para o céu e sua mãe.
Noureddin recusa porque ele deseja para ela permanecer na terra e ser sua esposa e rainha, mas Niriti se recusa. Noureddin implora de joelhos, mas novamente ela se recusa. Ele, então, lembra que ela está em seu poder e não tem escolha a não ser ceder aos seus desejos. Niriti então arranca um punhal no cinto Noureddin e ameaça esfaquear a si mesma. Ele rapidamente arranca a arma da mão dela e, furioso que ela deve manter seu amor por ela de forma tão leve, arrebata o talismã do peito e joga a seus pés. Há um estrondo ensurdecedor de um trovão.
Ato III, quadro III - No topo do palco é visto nos céus, no fundo, as antigas ruínas
O Amravati Deusa aguarda retorno do Niriti. Niriti, apertando seu talismã, está prestes a subir quando ela resolve lance Noureddin despedida. Vendo os olhos cheios de lágrimas, ela é superada com tristeza a si mesma. Ela começa a se perguntar se delícias celestes podem igualar a felicidade terrena que Noureddin oferece, e que ela está prestes a sacrificar. Ela oscila, então cai o talismã e se joga nos braços de Noureddin.
Apoteose
O talismã sobe ao céu. Sentado em seu trono, o Amravati Deusa é cercado por deuses e outros espíritos celestes.

Currículo de danças

Prólogo
Valse des esprits
Entrée de Niriti
Le vent de Vayou
Ato I
Danse des amis de Nirilya et Nal
Danse orientale
Sensações Premières
Ato II
Danse nautch
Danse de l'Hindoustan
Grande pas d'acção
Andante
Variação I
Variação II
Coda
Grande ballabile - La Rose de Bengala
Adágio
Valse des bijoux
Pizicato
Grande coda
Ato III
Danse des montagnards de l'Himalaya
Pas Katchack
Danse sous le voile
Scène dansante - L'ivresse de Vayou
La danse à l'amour

fonte: en.wikipedia.org/wiki/The_Talisman_(ballet)

Ballet Paquita

Paquita é um ballet em dois atos e três cenas, com libreto de Joseph Mazilier e Foucher Paulo . Originalmente coreografado por Joseph Mazilier a música de Edouard Deldevez . Apresentado pela primeira vez por no Le Peletier Salle pelo Paris Opera Ballet em 1 de Abril de 1846. O trabalho foi mantido no repertório da Ópera até 1851.
Em 1847, Paquita foi encenado pela primeira vez na Rússia para o Ballet Imperial de São Petersburgo por Marius Petipa e Pierre-Frédéric Malevergne , sendo o primeiro trabalho já encenado por Petipa, na Rússia. Em 1881 Petipa produziu um renascimento do bailado para que acrescentou novas peças especialmente compostas por Ludwig Minkus . Isto incluiu a Pas de trois (aka o Minkus Pas de trois ou Paquita Pas de trois ) para o primeiro ato, eo Paquita Grande pas classique ea Mazurka des enfants ( mazurca infantil ) para o último ato. Versão Petipa de Paquita foi mantida no repertório do Teatro Mariinsky até 1926.
1881 Marius Petipa adições para Paquita sobreviveu muito tempo após o ballet completo deixou o palco. Em 1896, prima-balerina Mathilde Ksheshinskaya (Princess Romanov) estava por trás do Pas Grande re-encenação, por ocasião das comemorações do centenário da morte de Catarina, a Grande. Hoje essas peças, particularmente o Pas Grande pas classique , são pilares importantes do repertório de balé clássico tradicional, e foram encenadas por companhias de ballet em todo o mundo.
Em 2001, o Ballet Mestre Pierre LACOTTE produziu um renascimento do full-length, duas ato Paquita para o Paris Opera Ballet . Embora LACOTTE re-coreografada mais do balé si mesmo, ele restaurou originais Joseph Mazilier de mímica seqüências e mise-en-scène , bem como 1881 Marius Petipa acréscimos.

Sinopse

A trama se passa em Espanha durante a ocupação de Napoleão exército. A heroína é o jovem cigana menina, Paquita. Sem o conhecimento de Paquita, ela é realmente de origem nobre, tendo sido raptado por ciganos quando ela era um bebê. Ela salva a vida de um jovem oficial francês, Lucien d'Hervilly, que é o alvo de um governador espanhol que deseja tê-lo matado por Iñigo, um chefe cigano. Por meio de um medalhão que ela descobre que ela é de origem nobre, sendo na verdade o primo de Lucien. Como tal, ela eo Diretor são capazes de casar.

História da grande Paquita pas classique

A Paquita Grand Pas Classique foi destaque na gala de despedida de Enrico Cecchetti , em 1902, onde todas as bailarinas principais do Teatro Mariinsky participou realizando seus solos favoritos de vários balés. Assim, a tradição de incluir um conjunto completo de solos para bailarinas vários começou, uma tradição que ainda está em vigor hoje.
Anna Pavlova incluiu o Grande Pas Classique no repertório de sua empresa.
Rudolf Nureyev encenou a peça em 1964 para a Academia Real de Dança , e no La Scala em 1970. Nureyev também encenou para a Ópera Estatal de Viena Ballet e American Ballet Theatre em 1971. Para todas as suas produções do trabalho Nureyev usado Lanchbery John 's adaptação da música. Em 1984, Natalia Makarova fizeram uma nova versão do grande Paquita pas classique para o American Ballet Theatre com a música novamente organizado por Lanchbery. Até o momento a empresa ainda mantém encenação Makarova em seu repertório, e muitas empresas em todo o mundo ter encenado a sua versão da peça.
Em 1974, o mestre de balé Nikita Dolgushin produziu uma encenação do grande Paquita pas classique para o Teatro Maly Ballet de São Petersburgo. Por sua Dolgushin produção convidou o ex-bailarina Elizaveta Gerdt -que realizou a versão original de Marius Petipa da peça para ajudar a restaurar a Paquita Grand Pas Classique à sua forma como foi executado no início do século 20.
Em 1978, o Kirov / Mariinsky Ballet do recém-nomeado diretor artístico Oleg Vinogradov fizeram uma nova versão do grande Paquita pas classique para a empresa, uma encenação em grande parte baseado na versão Pyotr Gusev encenou para o Teatro Maly Ballet em 1952. O Ballet Kirov / Mariinsky ainda mantêm versão Vinogradov em seu repertório, e muitas empresas em todo o mundo incluem a sua versão da peça em seus repertórios.

fonte:http://en.wikipedia.org/wiki/Paquita

Ballet Petrushka

Petrouchka ou Petrushka ( Francês : Petrouchka ; russo : Петрушка ) é um balé com música de russo compositor Igor Stravinsky , composta em 1910-11 e revisto em 1947.
Petrushka é uma história de um russo tradicional boneco , Petrushka , que é feito de palha e com um saco de serragem como seu corpo, mas que vem a vida e desenvolve emoções.
De acordo com Andrew Wachtel, Petrushka é um trabalho que funde música, balé, coreografia e história em perfeito equilíbrio. Ela evoca Richard Wagner s ' Gesamtkunstwerk (obra total), mas com uma abordagem russo.

Composição

Stravinsky compôs a música durante o inverno de 1910-1911 para Sergei Diaghilev "s Ballets Russes . Ele foi estreada em Paris, no Théâtre du Châtelet em 13 de junho de 1911 sob a direcção de Pierre Monteux , com coreografia de Mikhail Fokine e conjuntos de Alexandre Benois . O papel-título foi dançado por Vaslav Nijinsky .
O trabalho caracteriza-se por o assim chamado Petrushka acorde (consistindo em C maior e F ♯ tríades maiores tocadas em conjunto), uma bitonalidade dispositivo anunciando a aparência do personagem principal.

 Instrumentação

A versão original de 1911 Petrushka é marcado para 4 flautas (duplicação da 3 ª e 4 piccolo ), quatro oboés (4 duplicação Inglês chifre ), 3 clarinetes em plano B, clarinete baixo em plano B (dobrando clarinete 4), 3 fagotes , Contrabassoon ( duplicando fagote 4), 4 trompas em F, 2 trompetes em plano B (muitas vezes dobrando trompete piccolo), 2 cornetas em plano B e A, 3 trombones , tuba , tímpanos , bumbo , pratos , duas tarolas (um fora do palco), pandeiro (tambor de Basque), tenor tambor (pandeiro) (fora do palco), triângulo , tamtam , glockenspiel , xilofone , piano, , celesta , duas harpas e cordas .

versão 1947 revista

Versão de Stravinsky 1947 revista é marcado pela orquestra seguinte menor: 3 flautas (duplicação da 3 piccolo ), 2 oboés , Inglês chifre , 3 clarinetes em plano B (3 duplicação clarinete baixo em plano B), 2 fagotes , contrabassoon , quatro chifres em F , 3 trompetes em plano B e C, 3 trombones , tuba , tímpanos , bumbo , pratos , tarola , pandeiro , triângulo , tamtam , xilofone , piano, , celesta , harpa e cordas .
Comparado com a versão 1911, a versão 1947 exige: um a menos flauta, dois oboés menos, mas um dedicado jogador Inglês chifre em vez de um duplicado pelo oboé quarto; uma menos fagote, mas um contrabassoon dedicado, nem de duas cornetas, mas um trombeta adicional; uma bateria menos caixa e sem tambor tenor, eliminando assim os instrumentos nos bastidores, sem glockenspiel, e um menos harpa.

História

O libreto foi escrito por Alexandre Benois e Igor Stravinsky . De acordo com Leonard Bernstein em seus Concertos dos Jovens , uma das imagens de marca deste balé e Stravinsky O Pássaro de Fogo é que não há divertissements neles; cada dança única está firmemente integrada na trama.
O balé abre em St. Petersburgo da Praça do Almirantado . Em andamento é o entrudo justo conhecido como Maslenitsa , um carnaval russo antes da Quaresma , análogo ao Mardi Gras . O povo se alegra diante das privações do longo jejum.
Stravinsky orquestração e rápida mudança ritmos retratar a azáfama da feira. Um tocador de realejo e duas dançarinas entreter a multidão ao popular canção francesa Une Jambe de Bois . Bateristas anunciar o aparecimento do Charlatão , que encanta o público cativado. De repente, a cortina sobe em um pequeno teatro , como o charlatão introduz os inertes, figuras de marionetes sem vida de Petrushka, uma bailarina e um mouro .
O charlatão lança um feitiço com sua flauta . Os bonecos ganham vida, saltar de seu pequeno palco e executar uma dança vigorosa russo entre os carnavalescos surpreendeu os freqüentadores.
A segunda cena, após a realização, é definida na célula Petrushka de 'dentro' o teatro pouco. As paredes são pintadas em cores escuras e decorado com estrelas , uma meia-lua e icebergs recortadas ou montanhas cobertas de neve. Com um estrondo retumbante, o charlatão chuta Petrushka para esta célula estéril. Vemos que Petrushka leva uma "vida" sombrio por trás das cortinas da mostra. Embora Petrushka é um fantoche que ele sente emoções humanas que incluem amargura para com o charlatão por sua prisão, assim como o amor para a bailarina bonita. Tudo isso é sensivelmente descrito por Stravinsky fantasia quebra-como piano. Um retrato franzindo a testa de seu carcereiro paira acima dele como se para lembrar Petrushka que ele é um fantoche. O palhaço fantoche enfureceu-shakes seus punhos em brilho popa o charlatão e tenta escapar de sua cela, mas não consegue.
A bailarina, então, entra na sala. Petrushka inepto tenta expressar seu amor por ela, mas ela rejeita seus patéticos, auto-conscientes avanços e apressadamente afasta. Petrushka desmorona em um devaneio melancólico.
Na terceira cena o público descobre que o mouro leva muito mais confortável "vida" do que Petrushka. Quarto do Mouro é espaçoso e ricamente decorado e pintado em brilhantes vermelhos, verdes e azuis. Coelhos, palmeiras e flores exóticas decorar as paredes e piso. Os reclina Moor em um divã e brinca com um coco , tentando cortá-la com sua cimitarra. Quando ele falha, ele acredita que o coco deve ser um deus e continua a rezar para ele.
O charlatão coloca a bailarina no quarto do Mouro. A bailarina é atraído para bela aparência do mouro. Ela toca uma música picante em um trompete de brinquedo (representado por uma corneta na orquestração 1911 original) e dança com o mouro.
Petrushka finalmente se liberta de sua cela, e ele interrompe a sedução da bailarina. Petrushka ataca o mouro, mas logo percebe que ele é muito pequeno e fraco. O mouro bate Petrushka. Os foge palhaço fantoches-para a sua vida, com o mouro a persegui-lo, e escapa do quarto.
A cena quarta e última volta ao carnaval. Algum tempo se passou, e é hoje o início da noite. A orquestra apresenta uma cadeia de danças coloridas como uma série de personagens aparentemente não relacionados ir e vir sobre o estágio como a neve começa a cair. O primeiro e mais importante é a Dança Wet-Nurses ', realizada para a melodia da canção popular "Down the Road Petersky". Em seguida, vem um lavrador com seu urso dançarino, seguido por sua vez por um grupo de uma ciganos, cocheiros e cavalariços e mascarados.
Como a folia atinge seu pico, um grito é ouvido do teatro de fantoches. Petrushka repente atravessa a cena, seguido pelo Moor em perseguição brandindo sua espada, a bailarina apavorado correndo atrás do Mouro, com medo do que ele poderia fazer. A multidão fica horrorizado quando o mouro alcança com Petrushka e mata-lo com um único golpe de sua lâmina.
A polícia questionar o charlatão. O charlatão procura restaurar a calma, segurando o "cadáver" acima de sua cabeça e sacudindo-o para lembrar a todos que Petrushka é além de uma marionete.
Quando a noite cai e as dispersa a multidão, as folhas charlatão, carregando o corpo inerte de Petrushka. De repente, o fantasma de Petrushka aparece no telhado do teatro pequeno, seu grito agora sob a forma de desafio com raiva. Petrushka espírito de polegares o nariz para seu algoz de além da madeira e palha de sua carcaça.
Agora completamente sozinho, o Charlatão tem pavor de ver o fantasma de Petrushka malicioso. Ele foge embora permitindo-se um único olhar assustado por cima do ombro. A cena é silenciosa, deixando o público a pensar que é "real" e quem não é.

 Seções

O trabalho está dividido em quatro partes (quadros) com as seguintes cenas:
Parte I: A Feira Shrovetide
I. Introdução (na Feira Shrovetide)
II. Multidões
III. Booth O Charlatão do
IV. Dança Russa
Parte II: Célula de Petrushka
Célula I. Petrushka de
Parte III: Quarto do Mouro
I. Quarto do Mouro
II. Dança da bailarina
III. Waltz - A Bailarina & the Moor
Parte IV: A Feira do entrudo (Evening)
I. A Feira Gorda-Tide (à noite próximo)
II. Dança das amas
III. Dança do Camponês eo Urso
IV. Dança das meninas ciganas
V. Dança dos cocheiros e noivos
VI. Os Masqueraders
VII. O Tumulto: O mouro e Petrushka
VIII. Morte de Petrushka
IX. A Polícia eo Juggler
X. vociferação do Espírito de Petrushka

 Outras versões

Antes da estréia do balé, Stravinsky e vários outros pianistas como compositor russo Nikolai Tcherepnin utilizado um quatro mãos em uma versão piano para os ensaios. Esta versão nunca foi publicado, apesar de vários outros pianistas como Paul Jacobs e Ursula Oppens ter jogado em concertos.
Em 1921, Stravinsky criou um arranjo para piano de Arthur Rubinstein intitulado Trois mouvements de Petrouchka , que o compositor reconhecidamente não poderia jogar-se por falta de técnica de mão esquerda adequada.
Em 1947, Stravinsky escreveu uma versão revista de Petrushka para uma pequena orquestra, em parte porque a versão original não foi coberto por direitos de autor e Stravinsky queria lucrar com a popularidade da obra. Os tímpanos rápido e contínuo e notas tarola que ligam cada cena, opcional no 1911 original, são obrigatórios na edição de 1947. A bailarina sintonia 's é atribuído a uma trombeta na versão 1947 em vez de um cartucho como no original. A versão de 1947 fornece uma opcional fff ( fortississimo ) perto da conclusão do piano do original. Stravinsky também removeu algumas das difíceis modulações métricas na versão original do primeiro quadro da revisão de 1947.
Ele também criou um pacote para o concerto, uma versão quase completa do balé, mas o corte nos últimos três seções.
Em 1956, uma versão animada do balé surgiu como parte da NBC 's Hour Música Sol Hurok . Ele foi conduzido pessoalmente pelo próprio Stravinsky e foi a primeira colaboração tal. Dirigido pelo animador John David Wilson com filmes de Belas Artes , tem sido apontada como a primeira animação especial sempre ao ar na televisão.
Em 1988, Maddalena Fagandini dirigiu uma versão de Petrushka junto com A Bela Adormecida (Stravinsky), O Quebra-Nozes eo Rei dos Ratos (Tchaikovsky) e Coppélia (Delibes) no filme fantoche BBC, Tales Musical , que foi lançado em VHS.
Torção Basílio estreou sua versão marionetas de Petrushka , no Lincoln Center, em 2001, que foi realizada também em New York City Center 's 2009 queda para o Festival de Dança .
Expressões Companhia de Dança realizada uma adaptação contemporânea de Petrushka no Wright Judith Centro de Arte Contemporânea , em 2009. O desempenho foi intitulado Score! e pegou muito no conceito de televisão da realidade .
O Espírito de Atlanta Drum e Bugle Corps usou o trabalho como o seu programa de 1988 competitivo, uma mudança acentuada de seu tema musical anterior do sul.

fonte:http://en.wikipedia.org/wiki/Petrushka_(ballet)

Ballet Sylvia

Sylvia , originalmente Sylvia, ou la nymphe de Diane , é um longa-metragem de ballet em dois ou três atos , primeiro coreografados por Louis Merante com música de Delibes Léo em 1876. Sylvia é um balé clássico típico em muitos aspectos, mas tem muitos características interessantes que o tornam único. Sylvia é notável pela sua mitológica Arcadian definição, criativas coreografias , jogos expansivas e, acima de tudo, a sua pontuação notável .
As origens do balé estão em Tasso 1573 poema Aminta , que fornece a trama básica do trabalho de Delibes. Jules Barbier e Barão Reinach de [ 1 ] adaptou este para a Ópera de Paris .O arranjo de piano foi composta em 1876 e a suíte orquestral foi feito em 1880.
Quando Sylvia estreou na quarta-feira, 14 junho, 1876, no Palais Garnier , que passou despercebido. Na verdade, os primeiros sete produções de Sylvia não foram bem sucedidos comercialmente. Foi o renascimento de 1952, coreografado por Sir Frederick Ashton , que popularizou o ballet. Sucesso Ashton definir o cenário para as produções de 1997, 2004, 2005 e 2009, os quais foram baseados em sua coreografia 1952.


Preparações

Em 1875 a Ópera de Paris escolheu Barbier e Reinach libreto de Sylvia . Merante também foi escolhido para coreografar Sylvia baseada principalmente em sua extensa experiência no campo e posição como o maître de ballet do premier em Paris Opera. Todos os outros coreógrafos razoáveis ​​estavam no momento indisponíveis. [ 5 ]
Os ensaios para Sylvia começar em 15 de agosto de 1875, com apenas o terceiro primeiro da música intacta. Durante todo o período de ensaio o placar estava em revisão constante por Delibes, muitas vezes com a "ajuda" de Merante e Sangalli Rita que iria dançar cada um papel de liderança. Este desenvolvimento da pontuação foi um processo exaustivo de muitas revisões e reinicia. Merante foi especialmente exigente de Delibes e regularmente solicitar alterações para a pontuação para acomodar sua coreografia, ainda Delibes Léo fez as alterações solicitadas dele em tempo hábil.

1876: Paris Opera Ballet; Merante

Sylvia, ou la nymphe de Diane , como foi originalmente intitulado, foi o primeiro ballet a ser exibido na recém-construída Ópera Garnier e fê-lo com extravagância. Esta abordagem mostrou, por vezes em excesso. O cenário sumptuoso de Jules Chéret estava mal iluminado, prejudicando a qualidade da produção. Os figurinos desenhados por Lacoste foram bem aceites, no entanto. No final, foi a pontuação de Delibes que salvou a produção. Sem música altamente estimado tal, o balé teria logo caiu em esquecimento.
Na idade de 27, Rita Sangalli foi a bailarina principal no Opéra, e, portanto, a escolha óbvia para estrelar como Sylvia. Sangalli foi descrito como tendo um "physique excelente" , mas as habilidades de dança não espetaculares. No entanto, ela foi a bailarina só ensinou o papel, e em uma ocasião o ballet teve que ser temporariamente fechada quando ela se feriu.

1901: O Ballet Imperial; Ivanov e Gerdt

Entre as primeiras versões importantes de Sylvia, ou la nymphe de Diane após a produção original de 1876 foi uma produção apresentado pelo Ballet Imperial no Teatro Mariinsky , em São Petersburgo , na Rússia em 15 de Dezembro  1901. O balé foi realizada na Rússia antes: em 1886, a bailarina Antonietta Dell'Era (conhecido por criar o papel da Fada Sugarplum em O Quebra-Nozes , em 1892), realizado trechos do balé no Teatro Arcadia de São Petersburgo, e em 1892 a bailarina Carlotta Brianza (criador observou o papel de Princesa Aurora em A Bela Adormecida em 1890) executou o trabalho de corpo inteiro no Teatro Fantasia em Moscou.

A produção do Teatro Mariinsky foi originalmente planejado para a temporada 1900-1901, em uma encenação supervisionado por Sergei Diaghilev , com decorações e figurinos desenhados por Alexandre Benois e coreografia pela Sergei irmãos e Nikolai Legat .Mas as diferenças entre Diaghilev e diretor do os Teatros Imperiais, o Príncipe Volkonsky, levou ao cancelamento do projeto, bem como o fim da associação de Diaghilev com os Teatros Imperiais, um evento que levou Diaghilev para, eventualmente, formar os originais Ballets Russes em 1909. [ 6 ] No entanto, o balé foi re-agendada para a temporada 1901-1902, em uma versão montada pelo Teatro Imperial Deuxieme Maître de Ballet Lev Ivanov , cuja morte em dezembro 1901 causou a direção para entregar o projeto para o notável Premier danseur Pavel Gerdt Talvez a contribuição mais duradoura de Ivanov a história do ballet foi a alteração do título de Sylvia, ou la nymphe de Diane simplesmente Sylvia
O elenco incluiu a grande primeira bailarina Olga Preobrajenska no papel-título ea danseur Sergei Legat como o Aminta pastor. Também entre personagens secundários do balé era um jovem Agripina Vaganova como uma ninfa da deusa Diana, e Pavel Gerdt no papel de Orion.
Embora as danças do Preobrajenska bailarina foram um grande sucesso, a primeira apresentação não era. Observou o crítico Sergei Khudekov do São Petersburgo Diário (conhecida por co-autoria libreto de Petipa La Bayadère ) foi um dos vários críticos que reclamaram que a coreografia Ivanov / Gerdt era de má qualidade, e que o libreto foi extremamente pequena.  Outro elemento que contribuiu para o fracasso do balé foi o fato de que a direção não permitiu quaisquer novas decorações para ser criado, e, ao invés conjuntos foram utilizados a partir de obras que não eram mais que está sendo executada.Depois de apenas cinco performances Sylvia foi retirada do repertório da companhia.Apesar disso, trechos do balé foram incluídos em eventos de gala.
A bailarina Anna Pavlova incluiu muitos desses extratos da produção 1902 em excursões seu mundo em uma encenação revisto por balletmaster Ivan Clustine. Em atendimento a uma das aparições dela Londres era uma jovem Frederick Ashton , cujas memórias de desempenho Pavlova iria inspirar -o a criar a sua própria versão de renome para a bailarina Margot Fonteyn , em 1952.

1952: The Royal Ballet; Ashton

Ashton re-coreografada Sylvia em 1952. Como a história se passa, o que despertou o interesse de Ashton em Sylvia era um sonho que teve em 1946. No sonho, Delibes cobrado Ashton com a revitalização seu ballet menos apreciados e Ashton, ao acordar, assumiu a tarefa. O mestre coreografada Sylvia com uma forte ênfase no papel principal, na verdade, ele projetou o ballet inteiro como um tribuir para Margot Fonteyn , uma dançarina com quem trabalhou. Clive Barnes, crítico de teatro americano, observou, "o balé inteiro é uma guirlanda apresentado ao bailarina por seu coreógrafo".  Esta "guirlanda" foi produzido por The Royal Ballet e foi realizada pela primeira vez no Royal Opera House, em Londres em 3 de setembro de 1952. Ashton também tweaked Barbier libreto para a estréia para maximizar o interesse na história.
Margot Fonteyn interpretou o papel principal de Sylvia quando esta versão aberta. Aminta foi interpretado por Michael Somes , Orion por John Hart e Eros por Alexander

Produções recentes

2004: San Francisco Ballet; Morris

Quando o San Francisco Ballet abriu sua produção de Sylvia , em abril de 2004, foi a primeira vez que o balé completo foi exibido nos Estados Unidos. Esta produção é também o único recente para não ser baseado no trabalho de Ashton. A pedido de Helgi Tomasson , Mark Morris coreografada-lo com base na produção de 1876 original e aderiu muito de perto a metodologia Merante e estilo. Como Morris disse: "Eu estou usando a pontuação e libreto exatamente como eles são construídos" .o raciocínio de Morris por trás disso é muito simples: a natureza da música está inextricavelmente entrelaçada com coreografia Louis Merante, uma conseqüência das circunstâncias da composição. Devido a isso, a recuperação de Morris de Sylvia é muito fiel ao original, mais do que qualquer outra produção recente. O San Francisco Ballet realizada Sylvia de 21 de abril a maio 7, 2006, depois de corridas de sucesso em 2004 e 2005. Na estréia, em 2004, a liderança era Yuan Yuan Tan .


2004: Royal Ballet; Ashton

Esta produção de Sylvia , o Royal Ballet da terceira, realizada 4 novembro - 3 dezembro de 2004, como parte do "Ashton 100" celebração, uma temporada dedicada ao fundador da empresa. O ballet foi recriado por Christopher Newton que (a partir de registros mentais e visuais) reconstruído coreografia original de Ashton e encenou para o Royal Ballet. Enquanto ele corria, havia três castas diferentes. O primeiro consistiu de Darcey Bussell e Jonathan Cope , o segundo de Zenaida Yanowsky e Makhateli David eo terceiro de Marianela Núñez e Pennefather Rupert .

 2005: American Ballet Theatre; Ashton

Ashton Sylvia também foi recentemente re-encenado por Christopher Newton para o Metropolitan Opera House , onde ele foi recentemente realizada pelo American Ballet Theatre . Versão de Newton é encurtado (originalmente o balé inclui algumas músicas de La Source ) seja apresentado em dois atos, com um intervalo musical no lugar do intervalo segundo.
A última produção no Metropolitan Opera, a partir de 4 de junho de 2005, teve Paloma Herrera elenco como Sylvia, Anjo Corella como Aminta, pastor Jesus como Orion, Craig Salstein como Eros e Carmen Corella como Diana.

Estilo

Sylvia é geralmente considerado um balé clássico .Possui um ambiente indescritível mítico e uma pontuação final do século XIX, sendo que ambos dão-lhe uma sensação antiga. Em muitos aspectos, no entanto, foi bastante revolucionário para a época. A pontuação foi e ainda é reconhecido por sua grandeza. Delibes trabalho "é, certamente, o melhor aspecto apreciado do ballet por sua inovação, criatividade e maturidade. Coreografia Frederick Ashton complementa a música muito bem a este respeito, mantendo-se fiel ao espírito da produção original, incorporando técnicas modernas e acrescentando seu próprio toque original.

Música

Sylvia , e Coppélia , antes disso, são muitas vezes apontado  como dois dos balés primeira modernos para suas notas novas.Tchaikovsky se comentou com seu colega compositor Sergei Taneyev sobre a ingenuidade de Sylvia , chamando-o de "... o primeiro balé, onde a música constitui não só o principal, mas o único interesse. Que charme, que elegância, que riqueza de melodia, ritmo, harmonia ".Embora esta afirmação pode ser uma hiperbólica pouco, diz algo muito importante sobre a singularidade do ballet. Sylvia score 's é variado e rico, e destaca-se, tirando o foco dos conjuntos, os dançarinos, os figurinos. Em vez de recuar para o fundo, definindo apenas o humor, a pontuação de Delibes define a ação . A música de Sylvia também foi notável pelo seu uso, nova e mais desenvolvida do leitmotiv .Tal escolha estilística é característica de Delibes, que era um grande admirador de Wagner . Na verdade, ecos de influência de Wagner são bastante evidentes na música como sua "sinfônico" natureza, como descrito por Ivor Guest Forbes na edição de 1954 de O Ballet anual .
Outra opção interessante de Delibes foi o uso acentuado de instrumentos de sopro e do vento, especialmente no caracteristicamente poderoso prelúdio . Delibes foi também um dos primeiros compositores a escrever para o saxofone alto , um instrumento que é usado amplamente nos mais pesados ​​vento seções como a barcarola no Ato III.
Esta pontuação já notável é significativamente mais famoso por duas seções específicas, o prelúdio do primeiro ato ea pizzicati no terceiro. O último, o mais famoso, é um exemplo bem conhecido de pizzicato estilo. Esta seção é, segundo o Dicionário Grove de Música Nova e músicos , "tradicionalmente jogado em um estilo, parada hesitante que parece não ter sido parte da concepção de Delibes."

Coreografia

Coreograficamente, Sylvia também foi à frente de seu tempo. Coreografia Merante de 1876 (e todos os subsequentes) foi considerado bastante rebelde para a fundição de bailarinas como caçadoras masculinos, inédito na época. Apesar de tais inovações, a coreografia original de Sylvia era ainda muito de tarde romântico da era balé.
Ashton Sylvia é muito mais contemporâneo, e mantendo um toque clássico, ele foi modernizado. Na coreografia de 1952, Sylvia incorporou novas técnicas e interessantes, como a mistura de mímica e dança e jogo de pernas mais complicado, como é típico das obras de Ashton.Como escritor Arnold Haskell disse, "... ele aceita a desafio em Sylvia de lidar com a música período sem descer a pastiche, e nunca uma vez que o movimento que ele proporciona nos parecer moderno ou como 'velho mundo' " Esta coreografia foi muito desafiador, observou Gillian Murphy , o papel principal no a produção atual da ABT (a partir de 2005),especialmente para ela. Ashton projetado especificamente em torno do balé Margot Fonteyn talento e habilidade. Assim, qualquer um que jogar a peça deve ser capaz de fazer tudo o que podia, e no momento em que " a gama de sua dança foi inigualável "Barnes.
É notável que essa coreografia apresenta um pouco difícil pas de deux , incluindo um espetacular no terceiro ato, que constitui o clímax do ballet.

 Influência

O aspecto mais agradável de Sylvia é a composição brilhante, por isso a maioria de sua influência sobre o mundo tem sido musical. Sua influência no Lago dos Cisnes foi particularmente notada. Este ballet famoso foi escrito pouco antes de Sylvia foi lançado e é geralmente considerado um dos melhores balés da época. No entanto, Tchaikovsky, o compositor de O Lago dos Cisnes , preferiu Sylvia de seu próprio trabalho, chamando a sua própria obra-prima "material pobre em comparação" . Tchaikovsky disse Sergei Taneyev , "Eu estava envergonhado. Se eu soubesse que essa música antiga então, é claro, eu não teria escrito Lago dos Cisnes "

Personagens

 papéis principais

Sylvia - Uma ninfa caçadora casto, fiel a Diana , objeto de desejo Aminta.
Aminta - Um menino simples pastor que está apaixonado por Sylvia. Paralelos podem ser desenhados para Endymion , outro pastor que foi amor jovem Diana.
Eros - O grego deus do amor, focal no ballet como um objeto de grande adoração e desprezo.
Diana - O romano deusa da caça e da castidade. É no templo de Diana, que a bacanal no terceiro ato ocorre.
Orion - Um caçador mal que persegue e sequestra Sylvia.

 papéis menores

Posse caça-atendentes Sylvia de caçadores do sexo feminino.
Caprinos - Duas cabras que estão prestes a ser sacrificado como um tributo a Baco , mas são salvos pela comoção causada pela Orion.
Náiades
Dríades
Faunos
Camponeses

Libretto

" Menino ama a menina, menina capturada por um homem mau, menina restaurado para menino por Deus "
 - Sir Frederick Ashton , que coreografou Sylvia em 1952.
O libreto de Sylvia é frequentemente considerado como um dos pontos fracos do balé. O enredo simples não permite muito agindo nem é especialmente emocionante. Na verdade, quando Frederick Ashton rechoreographed o balé em 1950, ele tentou refazer a história para ser mais interessante (embora ainda mantendo seus temas clássicos) porque ele reconheceu este aspecto do balé como um obstáculo potencial. Morris simplificou a história - para a sua produção de 2004 - pelas mesmas razões. Ele chamou de " uma grande confusão maravilhosa de mitologia e história ", então ele mudou para torná-la mais", clara e bonita ".

 Ato I: A Madeira Sagrada

O ballet começa com uma cena de adoração como criaturas da floresta antes de dança Eros . Aminta , um humilde pastor, tropeça-se sobre eles, interrompendo seu ritual. Agora Sylvia , o objeto de desejo de Aminta, entra em cena com sua legião de caçadores de zombar o deus do amor . Aminta tenta esconder-se, mas, eventualmente, Sylvia descobre que seu perseguidor e, inflamado, transforma seu arco para Eros. Aminta protege a deidade e é próprio ferido. Eros, por sua vez dispara Sylvia. Ela é atingido, e, embora não gravemente ferido, a lesão é suficiente para levá-la para fora do palco.
Um caçador, Orion , é revelado também foram assistir Sylvia, quando ele é visto comemorando o Aminta inconsciente. Orion esconde-se novamente como Sylvia retorna, desta vez ela é simpática para com Aminta. Como a caçadora lamenta sobre sua vítima, ela é sequestrada por Orion e levado. Camponeses lamentam figura Aminta até um Eros camuflada revive o pastor. Eros revela sua verdadeira identidade e informa Aminta de ações de Orion.

Ato II: Ilha de Orion Caverna

Cativo no esconderijo de Orion ilha, Sylvia é tentado por ele, com jóias e vinho sem sucesso. Sylvia agora sofre com Aminta, valorizando a seta arrancada de seu peito nostalgia. Quando Órion rouba-lo dela, Sílvia fica bêbada captor até que ele está inconsciente, pelo qual ela recupera sua seta e apela para Eros ajuda. Invocações de Sylvia não são em vão, pois Eros chega rapidamente e mostra seu invocador uma visão de Aminta esperando por ela. A dupla partir para o templo de Diana , onde o amor de Sylvia aguarda.
[ editar ] Ato III: A costa do Mar perto do Templo de Diana
Aminta chega ao templo de Diana para encontrar um bacanal mas não Sylvia, que vai chegar em breve com Eros. Depois de alguns momentos de alegria no reencontro, Orion mostra-se, em busca de Sylvia. Ele e luta Aminta; barricadas Sylvia-se no santuário de Diana e tenta Orion a seguir. A deusa da caça , indignado com este ato, Orion golpeia e nega Aminta e Sylvia congresso. Eros compassivo dá Diana uma visão. A deusa relembra sobre seu próprio amor jovem de Endymion , também um pastor. Diana tem uma mudança de coração e revoga o seu decreto. Aminta e Sylvia se reúnem sob a vontade das divindades bom.

Ato III: A costa do Mar perto do Templo de Diana

Aminta chega ao templo de Diana para encontrar um bacanal mas não Sylvia, que vai chegar em breve com Eros. Depois de alguns momentos de alegria no reencontro, Orion mostra-se, em busca de Sylvia. Ele e luta Aminta; barricadas Sylvia-se no santuário de Diana e tenta Orion a seguir. A deusa da caça , indignado com este ato, Orion golpeia e nega Aminta e Sylvia congresso. Eros compassivo dá Diana uma visão. A deusa relembra sobre seu próprio amor jovem de Endymion , também um pastor. Diana tem uma mudança de coração e revoga o seu decreto. Aminta e Sylvia se reúnem sob a vontade das divindades bom.

fonte:en.wikipedia.org/wiki/Sylvia_(ballet)

Ballet Le sylphide

La sylphide, apresentada em 1832 na Ópera de Paris, é um balé de dois atos com coreografia de Fillipo Taglioni, pai de Marie Taglioni, e criador das sapatilhas de ponta.Este balé, com música de Herman Levenskiold, se passa em algum lugar da Escócia. Um escocês se apaixona por uma sílfide, mas depois cai nas mãos de uma feiticeira, que pede que ele vista um xale mágico e ela morre.
Marie Taglioni foi a primeira bailarina a dançar este balé, pois seu pai coreografou-o especialmente para ela. Ao vê-la dançar, o grande poeta francês Théophile Gauthier, disse que ela era "tão sublime e tão grande como Lamartine e Byron", os dois grandes poetas do Romantismo.
Os figurinos são os famosos tutus românticos, com asinhas de prata na altura acima da cintura.

Trama

Conta a história de James, um camponês escocês, que estava prestes a se casar com Effie, também camponesa. Porém uma Sílfide e James se apaixonam no dia do casamento. Então, James abandona sua noiva, parentes e amigos em seu casamento para ficar com a Sílfide. James percebe que é impossível manter a Sílfide como uma mortal. Uma bruxa chamada Madge vê que os dois estão mesmo apaixonados e dá um lenço mágico para James e diz que ele deve amarrar o lenço na cintura da Sílfide. Ela explica para James que este lenço fará com que as asas da Sílfide caiam e desse modo a Sílfide não poderá mais voar. Quando a Sílfide coloca o lenço, ela cai morta no chão e com ela vai embora a esperança de James viver feliz para sempre com seu grande amor. As sílfides e os amigos da Sílfide a levam embora, e James percebe que Effie está se casando com outro homem. Furioso, James enfrenta Madge que acaba matando-o.

Estreia mundial

Estreou em 12 de março de 1832, no Théâtre de l’Academie Royale de Musique, em Paris.

fonte:http://pt.wikipedia.org/wiki/La_Sylphide